，乃为至法”，有些人不想下苦功夫，当他们在形式的探索上尝到一点甜头后，不管表现何种内容，都是一种手法，以不变应万变，千山皆同，千人一面，画面上只是成了一种符号的编制和排列，而忽视了对事物、对生活的不同感受。这种现象在当今中国画坛且呈愈演愈烈之势，致使许多刚入道的画者不去下功夫打基础，深入生活，发掘生命中最本质的东西，就直接进行某些符号的编排，这实在是对形式的一种偏面的理解。这种现象究竟是利大于弊，还是弊大于利？值得我们深思。
绘画的形式和技巧，不能简单地以新与旧来定论，而要看形式和技巧是否与画面所要表达的内容相吻合。更不能孤立地以形式的新与旧来评判画的高低。
笔墨，从外表看好象是孤立的技巧性的东西，但它实际上反映着作者的艺术追求及各方面的修养，表达着作者对生命的感悟和体验。八大山人作品的孤傲、冷漠，齐白石作品的质朴、天真，黄宾虹作品的浑厚、华滋；每一根线，每一个点，每一笔色彩，无不体现着作者对艺术的不同感受。不能只看他用了什么样的技巧，而应探寻作者为何这样表现，从各方面透彻地理解作品，学习不仅仅是临摹作品的技法，更重要的是研究作者的创作思想，即所谓“得形体，不如得笔法；得笔法，不如得气象。”
生活是创作的源泉，画家应该贴近生活，关注生活；只有这样作品才能有生机，有深度，有艺术感染力。当代画家有责任和义务创作出反映现实生活的艺术作品。
中国画如何吸收借鉴西方绘画的优良部分，这一直是中国画发展中的一个争论不休的话题。中国画尚写意，内敛、沉静；西方绘画尚科学，强烈、张扬，因为它们特点的不同，才能在世界美术领域占有重要地位，双方是以各自的不同和对立而存在的。当今世界高新技术突飞猛进，深刻影响着人类社会的各个层面，推动整个社会向前发展；世界文化日趋融合，文化交流日益频繁，从事中国画创作的人也不断地受到西方的美术思想的影响及冲击。中国画要发展，要吸收西方绘画中好的营养，使其更加完善和丰腴；但应该是在保持中国画特点的前提下的吸收和发展，不能以牺牲本身的特点来换取发展，那样就会得不偿失，没有民族性的东西就没有世界性。如果有一天我们的藏族同胞都身着汉装而不穿藏服，恐怕就没有象现在这么多的画家去热衰表现藏民的生活了吧？
一个画家，要形成自己的一种表现语言不容易，但要想使这一种表现语言在逐渐完善的同时又保持着“生”就更不容易，也就是前人所讲的“画到生时是熟时”。我认为，在逐渐完善一种表现语言的同时始终能保持在“半生半熟”阶段为最好。当今许多画家，当其自己的那套语言还未完全成熟之时，虽然存在着一些不足，但那时创作出的作品都是好作品，让人过目不忘。但随着对其这套语言的日渐熟练和日臻完善，直至完全无懈可击之时，画出来的作品却平淡无味，也难以给人留下深刻印象。处处完美就不完美了，艺术作品需要一定的残缺(不完整)美。
当今画坛，流派纷呈，星光灿烂，使人眼花僚乱，目不暇接，但真正的公认的力作出了多少？真正的大家又有几人？许多人都想自立门户，都想当大师，不甘寂寞，急于求成，这是否遵循了艺术的发展规律。形成自己的语言和风格是好事，但个人风格的形成是艺术家通过长期的探索实践而逐渐形成的，瓜熟才能蒂落，它是艺术家真情的自然流露。但疑技巧有天得，不必勉强方通神。没有对现代各种流派作品的深切理解和研究，没有对本民族审美意识和传统文化的透彻认识，缺乏扎实的绘画基本功，是不会创造出成熟的个人风格的。
画不管是大画还是小画，都要自然轻松，随意天成。画家画出来的作品不应是刻意做作、费了九牛二虎之力才完成的，那样的作品不会是好的作品，也难以给观者带来愉悦和享受。炼基本功、搞新形式的探索可以吃力，但搞创作就不一样了，“浑然天成，绝无痕迹”是我们应追求的一种境界。
画画人最难的是找准自己的点，首先要弄清楚自己的优点是哪些，缺点是哪些，怎样能够更好发挥自己的长处。一个画家能把自己的长处发挥到极致这就是成功，同时，也就容易形成自己的特点和风格。
“风格就是人”，画家要有独立的人格，作品要有风格。画家要找准自己做人的点，也要找准艺术的点。画家作品的个性化，应是作者对绘画语言的深刻领悟和对个人风格的不断追求。
心静如水，大凡做学问的人，都要保持一个平常的心态，不以物喜，不以己悲，不受功利思想的影响，更不为时尚所左右，认定自己的目标，坚持不懈的努力，终会有所成就。时尚的东西，可能在一时很火，但不会长久地风光灿烂。好的东西，可能永远不会像时尚的那样红火，但它会像陈年的老酒，时间愈长，香味愈浓，愈使人难忘。